Descripción:

Plataforma para la revisión, intercambio y co-construcción de conocimientos sobre la performance o arte acción.

Nos proponemos sostener un espacio dinámico y estimulante para presentar, relacionar y conceptualizar saberes sobre el arte de acción desde una perspectiva teórica, testimonial y crítica, planteando un método dialogal para la formulación y tratamiento de proposiciones o inquietudes investigativas con toda admisibilidad de formatos creativos y el compromiso de producir textos. Apelamos a la fuerza de la reflexión colectiva liberando el cometido del sentido jerárquico y más estrecho de la figura académica tradicional del 'experto' singular, hacia 'lo experto' y lo vívido del saber (experiencia), como fluído discursivo re-conocible y trans-misible, donde la 'autoridad' reside de manera desplazada en el conjunto y en los actos concretos de intercambio que en tal circunstancia se generen, precisamente atendiendo a la expansividad propia de las funciones cognitivas y necesaria de los saberes y sus objetos.

Coordinación:

El formato Seminario implica a todos los participantes como agentes interactivos del campo analítico y conjetural. La idea de Seminario Abierto establece la posibilidad de organizar el quehacer en secuencias de tratamientos puntuales de uno o dos encuentros como opciones completas e independentes. El Seminario Abierto sobre Performance es una iniciativa de la dirección del espacio Peras de Olmo – Ars Continua y está íntimamente ligado a los Conversatorios de la Serie Curatorial Open field / campo abiertO – Laboratorio de acciones 100xSiento. Esta iniciativa surgió de conversaciones entre colegas artistas ante la necesidad de generar una plataforma educativa estable para artistas e interesadxs en la práctica. El Seminario se constituye funcionalmente como una co-ordinación tripartita a cargo de Gabi Alonso, Daniel Acosta y Graciela Ovejero Postigo, asociando sus respectivas plataformas de gestión.

[POÉTICA DEL ESPACIO Encuentro para el ensueño del movimiento y una Poesía arbitraria & SOS TIERRA]

Formato de trabajo:

Proposicional con gestión dialógica y tratamiento circular. Seminarios cortos. 3 horas como mínimo con la posibilidad de un 2ndo encuentro opcional presencial o virtual según plan de trabajo.

Se invita a un artista o teórico a gestar un seminario, esta persona a su vez invita a otro artista o teórico a presentar una idea, pregunta o proposición que establecen entre ambxs o propone unx al otrx y acuerdan tratar como presentación y discusión o como actividad, con los instrumentos y referencias que consideren propicios, con el fin de inducir el cuestionamiento y profundización del potencial ideático de la proposición inicial y reflexiones de su interés que implique una discusión comprometida entre los co-conductores o anfitrión y proponente del seminario y los participantes inscriptxs en él. Anfitrión y proponente podrán redefinir sus roles específicamente para el proyecto.

Quienes podrán participar y cómo, obligaciones de lxs participantes:

Podrá participar toda persona interesada previamente inscripta, abonando el monto según se designe para cada seminario.

Los participantes deberán presentar un articulo o resumen de sus propias consideraciones a cerca de lo tratado, por escrito, como devolución y trabajo de cierre, de un mínimo de 1 página A4 en Word, enviada vía email. Presentando este trabajo se les extenderá certificado de participación y compleción del seminario. Los conductores del seminario deberán comprometerse a hacer una devolución comentada de c/escrito de la extensión que ellxs consideren. Los textos se archivaran y todos serán publicados en el blog del Seminario, en la columna secundaria.

Las presentaciones, conversatorios y seminarios serán documentados y luego publicados (parcial o integralmente) en los blogs del proyecto.

Costos:

Los costos se establecerán oportunamente para cada seminario.
Los cupos son limitados.

Los Conversatorios de cada Open field/ con sus artistas son gratuitos.

Contacto:

performance.seminarioabierto@gmail.com

G.O.P./Peras de Olmo – Ars Continua ©2014


Monday, August 25, 2014

DE a DOS :: Ciclo de performance en LabLT Montevideo_RESEÑA Daniel Veloso :: Agosto 2, 2014.


Graciela Ovejero Postigo & Noel Langone
sábado 2 de agosto a las 20 hs en LabLT Montevideo. Uruguay 


Noel Langone  

Graciela Ovejero Postigo 
sigo con la Serie iniciada en Colombia el pasado febrero: 
GROUNDING / Desarrollos sintomáticos < SPECIAL SERVICES >, esta vez con 
< a l g o eX-acta-mente somero >< cultivo de aquello que nutre, nutrición de aquello que da >

LINK:::DE A DOS en revista LEEDOR (Argentina) 

LINK:::ALBUM de Fotos > Lablt Montevideo, registro de Jar Bu

R E S E Ñ A
por Daniel Veloso

Dos performances en una noche de tormenta


Ya estaba saliendo y típico, empezó a llover. El techo de plástico del patio de la vecina, como un tambor alocado amplificaba cada gota que caía sobre él. Tomé el paraguas largo como una espada y salí a la calle. En sólo diez metros que hay desde el portón del edificio a la parada me empapé los zapatos. Un tipo se había subido al banco de cemento para evitar mojarse, puesto que las ráfagas de viento hacían que el techo fuera inútil. Unos instantes más tarde apareció el ómnibus por Ocho de Octubre, con los faros encendidos, entre la cortina de agua. Paró por suerte junto al cordón y subí como puede. Ya en su interior me ubiqué en los asientos altos del fondo y maldije en voz baja.  Sábado, siete y cuarto de la noche, a cuarenta y cinco minutos de que comenzaran las performances en Lablt, y se caía el mundo. Un rato antes me había fijado en Internet, en una página de la NASA que cuelga fotos satelitales, en color falso, de las nubes sobre la región, y no había visto nada amenazante sobre Montevideo. Apenas una línea de nubes coloreadas en violeta. Era obvio que la siguiente foto mostraría la formación de grandes torres convectivas que se abalanzaba sobre la capital.  Pero lo que me molestaba más era que se hubiera largado a llover en ese momento, y de qué forma, justo cuando la gente que pensaba ir a ver las performances estaba por salir.

De pie, frente a mí, un joven jugador de fútbol conversaba con un entrenador. El hombre, de pelo blanco, llevaba como el muchacho una campera deportiva, con las insignias de un club capitalino. Su acento era de España. Madrileño tal vez. Miraba por las ventanas empañadas, al igual que yo, el agua que caía, con la esperanza de que amainara cuando le tocara bajar.
Pero lo bueno es que esto sí se dio. Al tomar la avenida 18 de julio la tormenta empezó a aflojar, y cuando llegué a la altura del monumento al Gaucho apenas caían un par de gotas. Descendí del ómnibus y sentí el aire frío de la calle empapada. Crucé 18 pero al intentar cruzar la siguiente, Constituyente, un río que corría junto al cordón de la vereda me lo impidió. Con paciencia caminé cuadra arriba buscando un lugar donde la corriente fuera más angosta. Treinta metros más allá se veía un pequeño montículo en el asfalto. Llegué hasta ahí, tomé impulso y con una pequeña carrera salté el torrente.

Ya eliminado el obstáculo comencé a bajar hacia Palermo, en dirección del Río de la Plata. Iba por la calle. No estaba dispuesto a caminar por la vereda con tanta baldosa floja. De los altos plátanos caían grandes gotas como queriendo perpetuar la lluvia. Por lo menos un rato más.
Casi al llegar al fin de la bajada doblé a la izquierda y tras un breve repecho llegué al laboratorio de imagen. Entré a la casona reciclada, atravesé un angosto zaguán y en una sala de piso de madera encontré un grupito de personas que charlaba animadamente. Allí estaban las dos mujeres que harían sus performances esa noche lluviosa. María Noel Langone, uruguaya, de treinta y algo de años, de pelo ensortijado y rojizo.
 Venida desde Buenos Aires a través del río, estaba Graciela Ovejero Postigo, argentina, tucumana y californiana, según su migrante historia, de edad mediana, aspecto severo y afable, ojos y pelo oscuros como los cielos nocturnos de su provincia natal.
Las acompañaba Mariana Picart Motuzas, longa performer, de también largo pelo negro, voz poderosa y maneras sencillas, que lleva la performance en su forma de ser. Para ella su arte es juego y es fuerza vital, enredándose y desenredándose según los sutiles e intrincados meandros de su propia vida. Mariana es coproductora del espacio De a dos, junto a Jarbu, coordinador del LablT, el laboratorio de diseño de imágenes y espacios, sobre todo museos temáticos para la región y España.
De a poco, la gente que se animó a capear la tormenta, fue llegando. Muchos son artistas o escritores, como el poeta Luis Bravo. Una madre, performer también ella, ha traído a sus dos niñas. Otro performer ha venido desafiante vistiendo sus humildes ropas, un saco sin mangas como de atrevido prestidigitador.
A último momento llegan un par de personas en bicicleta. Las acomodan en el zaguán justo a tiempo. Se abre una puerta y se invita a pasar a la sala principal. Más larga que ancha, allí se trabaja a diario pero para estas ocasiones, las computadoras y equipos se han ocultado dejando libre el espacio.

Es el turno para Noel Langone.
Me ubico al final de la sala. Frente a mí, en una mesita redonda, de chapa, como las que se ponían en las veredas de los bares, sobre todo en verano, hay una tuna en una maceta. Las espinas, a la defensiva, ya revelan lo que vendrá. En la pared contraria se proyecta la luz blanca de una imagen. Noel toma un pequeño objeto y lo pone delante de una cámara. En la pared aparece una figura de plástico rojo. Es un guerrero piel roja, o tal vez un buzo con arpón. Luego en la pared pantalla todos vemos la mano ampliada de Noel colocarle un adversario al hombrecito rojo. Es un soldadito azul de la segunda guerra. Alemán, japonés o australiano. Ridículo con su casco de acero, como si este fuera a protegerle su cabeza vacía de autómata.
Más cerca de donde estoy, Agustín Lucas, el poeta futbolista, lee un texto extraño que relata una pelea, un combate sangriento y jubiloso. Los contendientes, estos antagonistas cuasi griegos, se enamoran, se estrujan los huesos, se reconocen en sus labios partidos, en la furia de sus arremetidas, en el suelo que retumba.
Mientras, Noel Langone continúa intercambiando los personajes de plástico. Ahora es un enano con cimitarra que se enfrenta a un samurai de pantalones flojos; después le toca a un superhéroe karateca que tuvo su auge en la época de las panteras negras, contra un villano extraterrestre salido de una película de ciencia ficción de los cincuenta. Aquellas de guiones maravillosos y presupuestos ruines que no estaban a la altura de los sueños.
Agustín, lobo estepario, concluye con la lectura de los hechos heroicos, del fin esperado del amor entre Gilgamesh y Enkidu después de hacer temblar las montañas y los bosques. Noel así lo sabe y toma la iniciativa. De ojos vendados, cascabelea y se enfrenta a sus enemigos imaginarios. Golpea y recibe, y vuelve a golpear.
Luego reparte globos rojos entre las personas del público, para que los inflen con aire tibio. Descubren estas que cada globo tiene adentro un papelito con un mensaje y que eso hará que se terminen involucrando en la reyerta. Se ve en el disgusto que dibujan en sus bocas. ¿Acaso esa pelea también es de ellos?
Noel cae al suelo y una lluvia de globos amorosos la cubre. Luego las duras espinas de la tuna acabarán con cada uno de estos.
María Noel toma un libro y lee: “¿y si fuera el agua?”
“Sería el pez luna” dice una voz que ha tomado uno de los mensajes de los globos rojos.
Y así interroga a las personas, a las paredes de ladrillos rojos, al aire eléctrico, al amor de todas las cosas, de todos los lugares.

El público ha sido invitado a volver al punto de partida, a la primera sala, que da a la calle con jacarandás. Las personas están calmas, hablan bajito, hasta las niñas, que no tendrían por qué, lo hacen.
Se abre la puerta que une ambas salas, aparece Mariana y los invita a pasar nuevamente. Esta vez todos se sientan en el piso de madera, contra la pared. Graciela Ovejero queda sola, de pie, cegada con una almohada negra, obturado su paso por una trabazón de madera.
El trueno retumba en la sala. Son las masas de aire que ascienden rápido y hacen restallar sus ondas contra las ventanas. Son los elementos que Graciela invoca, que aspira, suda, desmenuza y vierte.
En un espejo de aguas mansas enseña el reflejo de sus rostros a las personas sentadas, deja crecer sus cabellos blancos y una barbilla persa que ella misma hiló con la lana de las cabras sagradas. Invoca al fuego de Zoroastro, derrama semillas entre la arcilla y se construye a golpes una nueva corteza para su cerebro.
Lanza con sus dedos gotas de orujo sobre las cabezas de las gentes. Imagino el olor de la ruda del fondo de la casa de mis abuelos. Recuerdos entre los caminitos que hacía en el pedregullo.
La lluvia sigue y también Graciela. La tormenta no tiene prisa y vacía sus sacos como de polen una abeja.
Estamos en una feria humeante de cordero asado del Asia central. La rapsoda relata en su poema épico, el combate entre el bien y el mal, la crueldad gratuita, la injusticia diaria. Deja huir el aire de un globo hacia las estrellas y al de otro lo conduce por un cuerno de madera. Es el grito de la tierra entre las grietas lo que se oye.
Luego vuelve a ocultar sus ojos y nos pide que escribamos sobre ellos. Las personas dicen “mundo”, dicen “tierra”, piden paz, descanso. Ofrecen su esfuerzo, sus manos, sus ojos. Escriben “trataré”.
Graciela toma las palabras y las enciende y las eleva en carbón que se mezcla en el aire húmedo.
La tormenta se aleja. Ha terminado la lucha.

Daniel Veloso
12 de agosto de 2014.

Noel Langone  


Fotos: Jar Bu


Graciela Ovejero Postigo 



Fotos: Jar Bu

LINK:::NOTA sobre trabajos realizados en febrero 2014 por Ovejero Postigo en Colombia


Tuesday, August 12, 2014

Café Mandrágora: CONVERSATORIOS 2014 con Héctor Canonge *

CONVERSATORIOS 2014 ::: Café Mandrágora > Open field / XIV


JUEVES 7 de Agosto 19:00hs
PERFORMANCE Conversatorio
(Link de VIDEO al pie)


Héctor Canonge es un artista interdisciplinario, gestor y videasta latino de la diáspora Latinoamericana contemporánea, habiendo desarrollado gran parte de su vida y moldeado su identidad cultural y artística en Nueva York, EEUU.  De madre Boliviana y padre Catalán su vida familiar afectada por separaciones y traslados varios incluye el territorio argentino, donde nació, se define como un artista interdisciplinario, queer, y “…muy yankee de NYC ”.  La información que recibo sobre su obra me habla de una fuerza memoriosa y conciliatoria entre psicogeografías, lenguajes y tecnologías claramente posicionadas en el terreno de una vigilia crítica, abierta y generosa, porque no deja de pensar en las consecuencias sociales e históricas de las acciones y construcciones del arte.  Es muy grato para mí abrir las puertas de la casa a su productivo preregrinar, y en lo particular vibrando un posible recorrido de las tonalidades experienciales de las tensiones y celebraciones de esa particular diáspora propiamente americana, que me es familiar. Esperamos que nos acompañen en la presentación de su performance y subsiguiente Conversatorio Café Mandrágora el próximo jueves 7 de Agosto desde las 19:00 hs.

Héctor Canonge ofrecerá también un TALLER / SEMINARIO sobre performatividad poético-política colaborativa e identidad queer, los días 11, 12 y 13 de Agosto entre las 18:00 y 21:00 hs,  en el marco del Seminario Abierto sobre Performance también en Peras de Olmo – Ars Continua. Por inscripciones y más información escribir a peras.de.olmo.art@gmail.com.
G. Ovejero Postigo / Peras de Olmo - Ars Continua

  
NOTAS de trabajo y biografía breve del artista:

Foto: G.Ovejero Postigo / Peras de Olmo - Ars Continua

HÉCTOR CANONGE
C O R A J E  
CORAJE es un performance que trata temas relacionados con el valor y el rechazo. Basado en las experiencias del artista y evocando la dualidad inherente en cada individuo, CORAJE evoca situaciones, posiciones, y relaciones psycogeográficas por medio de acciones que construyen una narrativa performativa experimental y multisensorial.
Canonge presenta por primera vez en Buenos Aires esta performance inédita haciendo referencia al lugar de su nacimiento y al re-encuentro que ha tenido con la geografía argentina. CORAJE, sirve como instrumento de catarsis así como agente de reflexión y renovación personal enmarcado por eventos afectivos que han definido la vida del artista.
Biografía artística
Héctor Canonge, artista Latino de Nueva York, EEUU, estudió Literatura Comparativa, Cinematografía, New Media Arts y obtuvo su postgrado en Integrated Media Arts  en City University of New York . Su trabajo artístico e interdisciplinario integra el uso de nuevas tecnologías, artes mediáticas, narrativas cinematográficas y de arte del performance. Su obra ha sido presentada en museos, galerías, espacios culturales de los Estados Unidos, Europa, Latinoamérica y Asia.

En 2011, Canonge participó en AMBER’11 Art and Technology Festival  en Estanbul, Turkía, presentó nuevos proyectos de arte performance en la feria de arte, Miami Art Fair 2011 y capto la atención de la prensa y los críticos norteamericanos por su proyecto de arte social y público, “The Inwood Laundromat Language Institute”, al transformar una lavandería en un espacio de arte / alfabetización donde inmigrantes aprendían el inglés. El 2012, Canonge fue incluido en el proyecto online de arte de la Berlin Biennale  y organizó el festival de arte de performance, ITINERANT. Antes de su viaje a Sud América, el artista presentó su trabajo para la prestigiosa universidad Northwestern University  y para el School of the Art Institute in Chicago , así como exhibió su proyecto “Luminous Coils” en la feria internacional de libros de arte, MAS QUE LIBROS, en Madrid, España.

Desde mediados del 2012, Canonge realizó y presentó  proyectos en Sud America: SUI GENERIS, KOKA, OhRIENTE, ANIMALIA, SIN FRONTERAS en Bolivia; DES-CUBRIMIENTO y UBERGROUND PACHAMAMA en Argentina; NATIVE QUEER en Ecuador y además realizó presentaciones en Colombia, Chile y Perú. A comienzos del 2013, Canonge participó con su proyecto “SUD.AKA” en el Encuentro del Hemispheric Institute for Performance Art and Politics  en la ciudad de Sao Paolo, Brasil. El artista regresó a los Estados Unidos para comenzar la producción de su proyecto “LAB.ORAL” premiado con una beca por prestigiosa organización Franklin Furnace  de los Estados Unidos. Canonge completó su proyecto “TROTAMUNDOS” en octubre 2013 el mismo que fue presentado en diez países europeos comenzando en Marsella, Francia y terminando en Helsinki, Finlandia. El artista participó como invitado especial en la Bienal Internacional de Art SIART 2013 de La Paz, Bolivia.

Durante el primer semestre de 2014, Canonge se desempeñó como curador invitado por la Fundación del Banco Central Bolivia y luego se trasladó a Berlín donde presentó su obra e introdujo su programa “PERFORMEANDO” durante el Month of Performance Art. Seguidamente, el artista realize “CONeKTOR”, proyecto experimental de performance colaborando con artistas de seis ciudades de Europa del Este. A su retorno a Norte América, Canonge participó en el Festival Internacional de Performance en Miami y en el Encuentro 2014 del Hemispheric Institute in Montreal, Canadá. De Agosto a Diciembre, Canonge estará presentando proyectos en Argentina, Bolivia, Colombia, Ecuador y Perú.

Como gestor y curador, ha organizado las exposiciones: “ABSENCE “ realizada en el Partnership Gallery del Queens Museum of Art , “BABEL” en la galería Space 37 , “FRAMING AIDS” para Queens Media Arts Development , y “Queering Bodies” para la organización VISUAL AIDS . Canonge organiza el programa mensual para artistas, A-LAB Forum, en Crossing Art Gallery  , dirige la serie mensual de cine independiente, CINEMAROSA y creó ITINERANT el primer festival de arte performance que realiza anualmente en los cinco condados de la ciudad de Nueva York.

La obra de Canonge ha sido mencionada y anotada por periódicos como The New York Times, NY Daily News, Manhattan Times, Queens Tribune; revistas: ART FORUM, Hispanic Magazine, Time Out NY; televisión: ABC, NBC, CNN, CBS, France Channel +, Televisa, UNIVISION; y en la red: Art Experience NYC, NYFA Newsletter, NYRemezcla, Turbulence, and ART CARDS Review entre otros. Su trabajo en arte performance ha obtenido el reconocimiento de la revista HYPERALLERGIC de Nueva York donde fue incluido con notables personalidades de dicha disciplina.
hector@hectorcanonge.net
www.hectorcanonge.net

* VIDEO del Conversatorio * 

Café Mandrágora: CONVERSATORIOS 2014 con Daniel Acosta * Calixto Saucedo * Juan Pablo Pérez * Nicolás Frank y Matías Billordo

CONVERSATORIOS 2014 ::: Café Mandrágora > Open field / XIII


SÁBADO 12 de Julio 19:30hs
OBRAS INÉDITAS
&
Presentación y debate con los artistas
Daniel Acosta & Calixto Saucedo
y textos de Juan Pablo Pérez, Nicolás Frank y Matías Billordo

(Link de VIDEO al pie)

Pensando en la importancia de los legados, los del arte que nos tiene y los de las personas lo hacen, en la elaboración consciente y liberadora de lo recibido cultural y existencialmente como individuxs marcadxs por encrucijadas generacionales, territoriales, políticas, culturales pero también como subjetividades críticas, vivas, al pie del fragor creativo como siempre y como nunca,  sensibles, vulnerables y generosos en su disposición a todo llamado, es que encuentro gran relevancia en detenernos a presenciar y pensar el obrar de artistas de larga y sostenida trayectoria local e internacional, aun al margen de los circuitos comerciales y museológicos, como entre seguramente muchxs otrxs lo son Daniel Acosta y Calixto Saucedo. El compromiso que estos artistas despliegan con el arte acción explica tal vez muchas cosas, la locura hecha fuerza, el quiebre hecho entereza, y explica también que el mundo del arte no es más un embudo ni una pirámide.  En éste territorio del arte en presencias ocurre la fractalidad del poder y la trans-mutación de lo preconcebido, y ellos lo saben y sirven.   Leo sus textos de artista y pienso:  poéticas del amparo, la militancia del MILAGRO de reverberancia colectiva ancestral  y el VUELO UTÓPICO en flexión de retorno, ambos al  encuentro del toque  con una cierta nobleza como estado de inquietud y restitución al y del “mundo”, forma espacio-social multisemántico, espacio-tiempo intersubjetivo que deviene en sí, un cuerpo tan sensible como se vive al propio, la acción como pregunta-plegaria.  
G. Ovejero Postigo / Peras de Olmo - Ars Continua

Textos Curatoriales:
APARECIDOS / arte vivo de Daniel Acosta
por Juan Pablo Pérez 
  No debiera arrancarse a la gente de su tierra o país,
no a la fuerza. La gente queda dolorida,
la tierra queda dolorida.
  Nacemos y nos cortan el cordón umbilical.
Nos destierran y nadie nos corta la memoria,
la lengua, las calores. Tenemos que aprender a vivir
como el clavel del aire, propiamente del aire.
  Soy una planta monstruosa. Mis raíces están a miles
de kilómetros de mí y no nos ata un tallo, nos separan dos
mares y un océano. El sol me mira cuando ellas respiran
en la noche, duelen de noche bajo el sol
Juan Gelman (Exilios, XVI-Roma/14-5-80)

Con la necesidad de construir otros sentidos, y dotado de particular renovación de lenguajes, el trabajo de Daniel Acosta pone el acento en la restitución de la memoria a través de múltiples recorridos. Arrastra distintas prácticas que viene desarrollando desde principios de los ochenta, experiencias imborrables que aun llevan sus marcas en el propio cuerpo, metáforas que se infiltran entre las grietas de la memoria en instalaciones, pinturas, objetos, videos y performances en la construcción de proyectos artísticos-sociales más solidarios y justos.
La exploración de la performance APARECIDOS / arte vivo retoma la noción de Aparecidos (expuestas en el Centro Cultural de la Cooperación, Marzo-2014), en la cual subyace la intensidad de aquellos que retornan en el gesto y compromiso al recuperar con imaginación desbordante el cuerpo colectivo en acción, como las semillas que emergen de las profundidades de la historia, invocando a los fantasmas, a la poesía liberadora que permita transformar la presente realidad.
Daniel Acosta plantea un itinerario vertiginoso y profundo en diálogo con la naturaleza como en su Proyecto SOSTierra, proceso que va más allá de las fronteras y de los límites humanos. Sus acciones en el espacio público subrayan la deshabituación del lenguaje del arte en localizaciones específicas, al reunir las condiciones necesarias que piensan al cuerpo como soporte simbólico de los rituales urbanos.
Así como de chico Daniel se fascinaba con perderse en un laberinto imaginario, mágico y siempre excitante para crear otros mundos posibles, esa condición lúdica y poética del protagonismo de una generación, se tornó en la siniestra realidad cuyo juego se paralizó al ser expulsado de ese territorio soñado y enfrentarse abruptamente con la desaparición física.
Desde ese legado colectivo, y con la intensidad activadora del presente, Acosta hace palpable la reterritorialización semántica del lenguaje, hilvanando otras sensibilidades cuando transita frente al río en paralelo al muro de nombres en el Parque de la Memoria. Lo irrepresentable está allí materializado en placas de piedra con distintas tipografías, y lo indecible es puesto en palabra en la performance del artista al repetir metódicamente los nombres de los detenidos-desaparecidos, el de todos siempre presentes en el cuerpo colectivo, y el de Carlos Mayor: compañero artista desparecido de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.
Con la presencia fresca de una planta, y desde esa naturaleza viva que atraviesa toda la producción poético-social de Daniel Acosta, volvemos a caminar sobre la palabra desperdigada por Edgardo Vigo: Sembrar la memoria para que no crezca el olvido.
Juan Pablo Pérez. Floresta, 13 de junio de 2014

santuaria-trans de Calixto Saucedo
por Nicolás Frank y Matías Billordo

Hago arte con lo minimo
una pared, mi cuerpo
una idea
mis ganas
fui un chico en la calle
ahora soy un hombre
girando en el centro de un mantra
esencial
como usuario me ofrecen mas
pero yo sigo este rastro estelar
blanco movil
en realidades virtuales
demasiado obsoletas…
Y esta claro
yo voy por tu
sangre.
                 
“Con lo minimo” (Agosto 2001)
Calixto Saucedo

Desde tiempos coloniales entendemos que las imágenes son portadoras y generadoras de poderes. No podemos ser ingenuos ante su constante mutación ni tampoco  a su carácter testimonial, pedagógico y pregnante.

En la sociedad contemporánea las imágenes se presentan masivamente en los distintos ámbitos de la vida cotidiana de forma fugaz, alterando nuestro transito mundano mediante dispositivos y pantallas que inundan nuestra visión. En este contexto persisten con gran eficacia las imágenes religiosas que habitan y conviven tanto en templos, hogares e imaginarios.

A estas últimas, históricamente,  se les atribuyó un poder vinculado a lo espiritual, a lo milagroso, y mediante su potencia logran transportar sensaciones y energías dentro de la comunidad. En la tradición popular en la que se da el milagro la imagen inanimada adquiere algún rasgo que nos hace vislumbrar lo divino con un siniestro e inexplicable cobrar vida de la misma.

Calixto Saucedo comprende dichas características de lo espiritual en el mundo contemporáneo. Para generar imágenes contundentes utiliza su cuerpo como vehículo, presentándolo como espacio privilegiado de la expresión, no solo por su capacidad de producir sentidos mediante gestos y movimientos, sino también como dispositivo en el que se inscriben signos de carácter sexual, político, estético y religioso.

En el ritual se canalizan las energías de los creyentes y se delimitan espacios donde lo sagrado alcanza un mayor poderío.  Si la religión promueve acciones ejemplificadoras y determina formas de comportamiento, cabe preguntarse qué márgenes quedan para reflexionar sobre dichas acciones y que tipo de  identidades generan.

La obra presentada en esta ocasión puede comprenderse  ligada a una serie de prácticas artísticas en las cuales el artista trabaja y problematiza las ideas de religiosidad y el poder otorgado a los santos, en este caso San Cayetano. La acción ritual o religiosa le sirve para establecer un fuerte vínculo con quien lo observa generando una sensación de inmediatez y predisponiendo a que la acción mute en conocimiento.

Su búsqueda por  actualizar y reflexionar sobre los vínculos entre los sujetos y lo religioso, en un momento de crisis e incertidumbre, lo lleva a trabajar con recursos mínimos. Mediante una selección medida de objetos, iluminación, atuendo y performatividad, logra con gran efeciencia despertar en el espectador el asombro caro a la religiosidad al igual que la reflexión sobre las acciones realizadas, poniendo en escena el lugar que nos queda frente al hecho milagroso o la sumisión al dogma. La acción se presenta como un acontecimiento estético donde se integran y unifican los elementos y pensamientos ya condensados.

Lic. Nicolás Frank
Lic. Matías Billordo
 

NOTAS de trabajo y biografías breves de los artistas:

Foto: Robert Paredes / Peras de Olmo - Ars Continua
DANIEL ACOSTA
APARECIDOS / arte vivo
El gesto libertario de la poesía en acción  reaparece, cerca de los baldíos de la infancia, en las zonas ambiguas de la urbe porteña. Zona intensamente batida por la cultura de la brutalidad y la exclusión globalizada.
En ese campo abierto, Aparecidos, emergerá como semilla nutriente de las profundidades de mi historia. Invocando a la poesía liberadora que nos permita transformar nuestra realidad. Restringida a una cultura Global. De espanto espiritual.
Invocando a la memoria y a los fantasmas que nos pueblan, a la musa liberadora que desde la acción del arte poetice. 
Aparecidos se restituye con la intensidad de aquellos que retornan al gesto, con imaginación desbordante, del cuerpo en acción. Trazando, en un círculo de harina, las cuatros direcciones poéticas del proyecto: tierra, viento, fuego, agua.
Y volar. Desde ese punto de encuentro, con utopía, vestido de blanco. Los caminos del arte por mas creatividad común será el objetivo de la acción. Instalando alrededor del tiempo vital del círculo, nidos de libertad. Accionando alrededor de lo invisible-presente con el fuego del arte.
Daniel Acosta / Boedo. 03-14

Foto: Robert Paredes / Peras de Olmo - Ars Continua
CALIXTO SAUCEDO
santuaria-trans
Una hermenéutica bonaerense, “santuaria-trans”

Por Calixto Saucedo (xt)
Arrastro el cursor de la compu, hasta desconectarlo y digo: La icónica invasiva de  una hermenéutica  bonaerense, se estremece y estalla antes y después de cada suceso, de cada acontecimiento cotidiano y nunca será un hecho aislado “la plegaria”, ésa tan necesaria, como lo
es la “extravagancia”,  peajes  que se cobra la vida cada quincena, cuando te recuerda que no sos únicamente un “usuario”, una  materialidad suelta al viento,  también sos una enorme masa de energía girando a escala cósmica y allí en la intimidad misma, no se necesita “approbation” , el re-encuentro con uno mismo se produce, se repite, se re-inicia y está bien que así sea. (amen)
Mi investigación icónica-corporal actual, se estructura en dos poéticas (esté- ticas)  contemporáneas alternativas y complementarias en el total de mi obra.

1. Performance –art / Poética-política-urbana
Acciones/Señalamientos/Intervenciones/Instalaciones/ en la vía pública.

2. Performance-art / Poética-religiosidad espiritual-popular
Performance-art anteriores: “Oración pública”, “Hombre del monte”.

Dentro de ésta poética-religiosidad espiritual-popular, es la que presentare el 12/07/14 en el Open Field de Peras de Olmo Ars-Continua.
Con la performance-art titulada: “santuaria-trans“. La misma se enmarca en mi investigación icónica-corporal, sobre la actitud religiosa, hacia la santuaria popular: las ceremonias, las ofrendas, las plegarias, los “signos” y pulsiones que fluyen de manera inconsciente en los hábitos (ritos) cotidianos. Ese confiarse a “la buena de un dios”, sea  Pachacuti, San la Muerte, el Gauchito Gil, o en este caso un cayetano, cualquiera (el performer), que se “transvierte” en el “santito” del trabajo, para que otros (los asistentes) realicen una oración en silencio.

                                                        * VIDEO del Conversatorio *